Sonoma, la fable choc de La Véronal

Le 26 janvier 2022 par Delphine Goater

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Théâtre national de la danse de Chaillot, Paris. 21-I-2022. La Véronal : . Direction artistique : Marcos Morau. Chorégraphie : Marcos Morau en collaboration avec les interprètes. Texte : El Conde de Torrefiel, La Tristura et Carmina S. Belda. Conseil dramaturgique : Roberto Fratini. Répétition : Estela Merlos, Alba Barral. Travail vocal : Mònica Almirall, Maria Pardo. Scénographie : Bernat Jansà, David Pascual. Lumière : Bernat Jansà. Effets spéciaux : David Pascual. Son : Juan Cristóbal Saavedra. Costumes : Silvia Delagneau. Couture : Ma Carmen Soriano. Chapeaux : Nina Pawlowski. Masques : Juan Serrano. Construction du géant : Martí Doy. Accessoires : Mirko Zeni. Production : Juan Manuel Gil Galindo, Cristina Goñi Adot. Avec Lorena Nogal, Marina Rodríguez, Sau-Ching Wong, Ariadna Montfort, Núria Navarra, Àngela Boix, Laia Duran, Anna Hierro, Alba Barral, Julia Cambra

France

Île-de-France
- Paris
  - Théâtre National de Chaillot

D'une grande efficacité visuelle, Sonoma est une fable paysanne exclusivement féminine. Marcos Morau, le directeur artistique de la compagnie La Véronal, convoque aussi bien l'Espagne traditionnelle dépeinte par Luis Buñuel que les images surréalistes.

Le spectacle est un art, et Marcos Morau, directeur artistique et chorégraphe de La Véronal, une compagnie espagnole qui sillonne le monde depuis plus de dix ans, l'a bien compris. Parmi ses sources d'inspiration principales, comme on avait pu le voir dans Voronia présenté au Théâtre de Chaillot en 2016, figurent l'Espagne franquiste, les traditions paysannes et le fanatisme religieux. Il s'inscrit aussi à travers ses spectacles dans une tradition narrative de la danse, qui va de Noces de Nijinska à La Maison de Bernarda, de Mats Ek.

C'est fort de toutes ces influences que Marcos Morau met en scène Sonoma, qui reprend les idées essentielles de la pièce Le Surréalisme au service de la Révolution, qu'il avait créé en 2016 pour le Ballet de Lorraine autour de la figure de Buñuel. Après un prologue dans lequel les danseuses évoluent comme des poupées russes en glissant et tournoyant sur le sol, des silhouettes anonymes vêtues de robes et jupes longues en toile brune, fichus et visages masqués, font leur apparition. Elles semblent appartenir à une communauté de femmes pieuses, dont deux d'entre elles ont le visage surdimensionné de vieilles femmes. Marcos Morau aime aussi en effet utiliser masques et marionnettes, comme ce géant sans tête en costume XVIII^e siècle pour donner à ses images une dimension fantastique.
La musique, basé sur des polyphonies populaires d'Europe centrale (bulgares, entre autres) est un ingrédient subtil et essentiel de l'impact du spectacle. Le rythme dicte la chorégraphie, excellente, à laquelle ont contribué les dix danseuses. Il n'y a jamais aucun répit et les séquences se succèdent, remplaçant une image par une autre, subjuguant toujours davantage par sa maîtrise dramaturgique et scénique. L'un des atouts majeurs de cette maîtrise est le contraste entre des costumes traditionnels à l'aspect ancien et des techniques corporelles rapides et vives qui semblent empruntées aux danses urbaines.
Les femmes et les jeunes filles qui nous sont données à voir sont-elles des sorcières ou des pythies ? De jeunes pensionnaires ou de vieilles villageoises ? Lentement, en passant de main en main des boules lumineuses, elles édictent des commandements moraux qui font écho aux « Bienheureux les pauvres » qu'elles avaient psalmodié au début du spectacle. Coiffées de gigantesques coiffes fleuries, ces jeunes débutantes se lancent alors dans des vocalises polyphoniques bluffantes, qui témoignent de leurs multiples talents artistiques.