À Rome, The Turn of the Screw de Britten vu par Deborah Warner
Après le succès de Peter Grimes (2024) et Billy Budd (2018), Deborah Warner revient au Teatro dell'Opera di Roma pour mettre en scène un autre chef-d'œuvre de Benjamin Britten, The Turn of the Screw.
L'opéra en un prologue, deux actes et seize scènes, sur un livret de Myfanwy Piper, tiré du récit éponyme de Henry James publié en 1898, a été commandé au compositeur britannique pour le XVIIe Festival international de musique contemporaine de la Biennale de Venise, et a été créé en septembre 1954 au Teatro La Fenice, en première mondiale, sous la direction de Britten lui-même, tandis que Peter Pears, son compagnon, chantait le double rôle du Prologue et de Peter Quint, le valet du maître qui hante l'imagination de la jeune gouvernante.
Le chef-d'œuvre de Britten, œuvre inquiétante et magnétique, captive le spectateur avec une musique tantôt douce, tantôt sinistre, tantôt légère, tantôt funeste. Il reprend l'histoire fantomatique d'Henry James et son ambivalence sur le thème de la mort de l'innocence, du mal présumé ou réel, et de l'incapacité à le combattre par l'éducation, en y ajoutant cette touche d'ambivalence singulière à connotation homoérotique qui est la marque de fabrique du compositeur britannique. Mais c'est avant tout une immense page du théâtre musical du XXe siècle qui n'avait pas été représentée à Rome depuis 1997, lorsqu'elle avait été mise en scène sous la direction de Bruno Campanella, avec la mise en scène de Luca Ronconi, les décors de Margherita Palli, la grande Raina Kabaivanska dans le rôle de la gouvernante, Daniela Mazzuccato dans celui de Miss Jessel, l'ancienne gouvernante morte dans des circonstances tragiques, et deux enfants, Matthew Long et Hazel Norton Hale, qui interprétaient les orphelins à la merci des fantômes maléfiques des anciens domestiques.
La direction du Teatro Costanzi a donc très bien fait de la proposer à nouveau aujourd'hui, après près de trente ans, avec cette nouvelle production originale confiée à la baguette du jeune chef Ben Glassberg, actuel directeur de l'Orchestre de l'Opéra Normandie Rouen, et aux mains expertes de Deborah Warner. La metteuse en scène britannique avait signé une première mise en scène de l'œuvre de Britten en 1997 au Barbican Theatre de Londres, avec déjà le ténor Ian Bostridge dans le rôle de Peter Quint, sous la direction musicale de Colin Davis, et cinq ans plus tard, elle l'avait reprise à Covent Garden. Par rapport au spectacle de l'époque, Deborah Warner reconnaît l'évolution, mais avoue être toujours restée habitée par la partition de Britten. Et en effet, ce qui frappe dans cette nouvelle mise en scène, c'est la parfaite adéquation entre la partition et la dramaturgie, qui anime la scène du début à la fin, avec une touche de fraîcheur et d'innocence cristalline, qui peu à peu, inexorablement, se transforme en une noirceur totale, perverse, malveillante, cruelle. Le décor de Justin Nardella est minimaliste, avec quelques meubles noyés dans un noir épais et glaçant faisant ressortir les beaux costumes d'époque des personnages (Luca Costigliolo), plongeant la scène dans une atmosphère oppressante.
La scène s'ouvre dans un espace clos, noir, étouffant. Le Prologue, alias Ian Bostridge qui entre en scène en chemise, annonce l'étrange histoire écrite à l'encre délavée par la jeune gouvernante qui avait accepté, de la part du tuteur de deux enfants, seul parent restant, de s'occuper d'eux sans jamais le déranger, sans interférer dans sa vie. Le premier acte s'ouvre sur la scène du voyage vers Bly. La soprano Anna Prohaska, la gouvernante pleine de doutes, mime un corps ballotté dans une calèche, tandis que des images de la campagne anglaise défilent sur une vidéo en noir et blanc derrière elle. Les lumières s'éteignent puis se rallument sur le porche de Bly, avec l'entrée entrouverte sur une forêt verdoyante, et au premier plan la gouvernante et les deux enfants qui tournent autour d'elle en dansant et en chantant. Très agile, la petite Cecyl Balmforth, 10 ans, dans le rôle de Flora, vêtue d'une robe bouffante au genou recouverte d'un tablier blanc, exécute une roue continue. Son frère Miles, alias Zandy Hull, 12 ans, avec sa tignasse rousse, mime une révérence et laisse immédiatement deviner l'irrévérence de garnement imposée par les règles de conduite, mais prêt à exploser dans la provocation, le défi et la menace, lorsqu'il se met à chanter une chanson en latin : « Malo, I would rather be/ Malo, in an apple-tree/ Malo, than a naughty boy/ Malo, in adversity ».
Deborah Warner dirige les enfants comme une mère, avec rigueur mais justesse, sans relâche dans les mouvements scéniques de Joanna O'Keefe. Les lumières hypnotiques de Jean Kalman, exploitant le côté trouble, pénètrent dans l'obscurité d'une psyché perturbée, effleurent le non-dit, tout en maintenant le spectateur en tension. Le résultat est un spectacle concis, contrôlé, parcouru d'une intensité homogène, parfait écho d'une partition énigmatique où l'ambivalence domine en maître, suspendue entre l'image pure de l'innocence des enfants sans défense et ayant besoin de protection, et celle, bien plus inquiétante, de petits démons de mèche avec les fantômes ténébreux du passé.
La distribution est à l'avenant pour cette œuvre aussi intense que mystérieuse : de la voix subtile de la soprano Anna Prohaska, dans le rôle de la gouvernante, convaincante dans son incarnation de ce personnage porteur de doutes, d'angoisse et d'incertitudes, à la voix plus ronde et sombre de la soprano Emma Bell dans le rôle de Mme Grove, la gouvernante qui ne voit pas le mal, jusqu'à la richesse des nuances de celle de la mezzo Christine Rice, la troublante Mlle Jessel. Ian Bostridge fin interprète et habitué du rôle incarne avec lyrisme Peter Quint et le Prologue. Les voix des deux enfants interprétant les deux orphelins, sélectionnés après une longue série d'auditions et accompagnés à Rome par leurs parents pendant les cinquante-cinq jours de répétitions, sont remarquables. Les treize musiciens de l'orchestre du Teatro dell'Opera di Roma, dirigés par Ben Glassberg, déploient toute la richesse de la partition dans laquelle la musique de chambre glisse vers la symphonie. Les applaudissements du public romain lors de la première sont chaleureux et enthousiastes.
