Plus apparue sur une scène parisienne depuis trente ans, Manon Lescaut de Puccini s’installe au Théâtre des Champs-Élysées avec dans le rôle-titre la séduisante Ailyn Pérez et pour amant Roberto Alagna, toujours aussi puissant d’émotion dans cette nouvelle mise en scène discutable d’Oliver Mears.

Il aura donc fallu trente années pour revoir à Paris une version scénique de Manon Lescaut, premier chef-d’œuvre de Giacomo Puccini. Depuis celle de Robert Carsen à Bastille en mai 1996 très exactement.

Dans cette mise en scène, coproduction avec le Royal Opera House de Covent Garden et l’Opéra Nice Côte d’Azur, Oliver Mears est à la régie et on avoue être surpris par l’ouverture de rideau, dans un décor d’un grand classicisme, au milieu d’une salle de brasserie du XVIIIe (l’époque d’écriture du roman) avec une grande table de jeu centrale. L’Acte II nous entraîne dans un autre endroit, qui pourrait d’abord paraître s’accorder au luxe parisien par rapport à la vie amiénoise d’avant – d’autres y ont succombé -, mais ce Paris semble être plus celui des Grands Magasins du XIXe de Balzac et Zola. Au retour d’entracte, le concept s’éclaire en même temps qu’il s’assombrit : on est en 1945 et Manon – à laquelle on avait coupé les cheveux devant le rideau avant l’Acte I, puis qu’on avait bien peignée avant le II – se voit tondue juste avant le III, pour être conduite avec d’autres femmes dans un grand conteneur vers l’autre continent. La scène final nous plonge dans l’Amérique de Hopper, dans un bar ou personne ne regarde l’héroïne lorsqu’elle chante sa solitude, affublée d’une perruque blonde façon Marilyn Monroe.

Par cette proposition, le metteur en scène tente peut-être d’évoquer l’intemporalité des conflits amoureux, voire d’intemporaliser l’histoire d’amour de Manon. Mais si la dramaturgie comme les décors et costumes (Annemarie Woods) sont plutôt bien travaillés, il reste difficile de comprendre quelle force ce concept apporte véritablement au livret, d’autant que Mears cite pour inspiration Fragonard et surtout des artistes qu’il utilise aux premiers tableaux. Heureusement, les deux chanteurs principaux de cette production sont là pour se charger de l’émotion.

Pour cette production se retrouvent sur la scène de l’Avenue Montaigne l’héroïne et le Chevalier Des Grieux déjà amants dans la Manon de Massenet à Bastille en 2022.

Ailyn Pérez n’est d’ailleurs plus beaucoup revenue dans la capitale depuis la nouvelle direction de l’Opéra de Paris. Pourtant son chant expose encore plus de nuances qu’auparavant, en même temps qu’il déploie nouvelle puissance. On préfère pour le moment la subtilité et le beau médium-aigu de la Romance “In quelle trine morbide” à un “Sola, perduta, abbandonata” moins marquant à la scène finale. Mais la soprano américaine est aussi très impliquée par son jeu sur scène, en plus de ressortir des ensembles. Pour la vivacité de la flamme, on reste toutefois fasciné par l’éternelle fraicheur de Roberto Alagna. Dans son premier air, la longueur des notes n’est plus celle d’il y a dix ans, quand il a pris le rôle de Des Grieux au pied levé pour remplacer Jonas Kaufmann. Mais la couleur du timbre reste magnifique et en cette soirée de deuxième, l’impact émotionneltrouve une force que seuls les plus grands savent donner. Tout particulièrement dans chaque retrouvaille avec Manon, comme au II juste après « Oh, sarò la più bella!… » sur « Sì! sciagurata, la mia vendetta… » d’une puissance dramatique saisissante. Car ce chant puccinien ne demande pas l’agilité du bel canto, il demande une générosité permanente et un caractère sensuel qui s’accordent parfaitement au chant du ténor français.

En Lescaut, Lionel Lhote remplacé à la première est encore un peu léger pour ressortir de ce court rôle le deuxième soir, d’autant que l’orchestre joue souvent fort. La basse Nicola Ulivieri est plus visible en Géronte, avec une souplesse intéressante dans le chant et un jeu fin que celui de Léo Vermot-Desroches, dont le style scénique et vocale énergique s’adaptent toutefois bien au Maître de ballet et à Edmondo. Mathilde Ortscheidt campe un chanteur bien en voix, mais des second rôles, on lui préfère les interventions très bien placées du baryton-basse Maurel Endong pour l’aubergiste et le sergent.

Le chœur accentus préparé par Christophe Grapperon est bien plus vigoureux que dans le récent Macbeth de Rouen, dynamique dans les scènes d’étudiants (Acte I) et très crédible en populace (Acte III). En revanche, l’Orchestre national de France met un peu de temps à s’échauffer. Presque anémique dans les vent à l’introduction, il se met en place pendant le premier acte avant de dynamiser plus le deuxième, puis d’offrir vraiment des couleurs à la partition symphonique en seconde partie de soirée. Il faut dire que la direction de Lorenzo Passerini est surtout faite de grands gestes pas toujours très clairs, souvent peu regardés par les musiciens en fosse, en plus trop peu adapté à la puissance sonore de la formation, et donc aux équilibres avec le plateau.

Crédits photographiques : © Vincent Pontet